assiduités. Le jeu vicieux se densifiera jusqu’au drame.
En adaptant librement un fait divers américain du dix-neuvième siècle Claude Chabrol livre un crû 2007 gouleyant, délice harnaché dans la vigueur et le cynisme. Un retour aux cruels fondamentaux sans remise en cause mais surprenant après la chronique d’une vacuité austère (L’Ivresse Du Pouvoir) et le morbide déconfit de La Demoiselle D’Honneur car la verve truculente dispute ici les honneurs à une rigueur formelle gorgée de références artistiques – architecture initiale proche des créations d’Ando avec l’apposition de volumes brut et de nature luxuriante (déjà les rapports géométriques de domination avant ceux, obséquieux, des castes sociales), robes de mariées laconiques et formes oblongues en rupture qui convoquent les spectres faméliques sinon pessimistes des œuvres de Braque ou craquements des pages soyeuses derrières des huisseries exténuées. Avec un brin de forfanterie la cité de Lyon se fait mécène des lumières quitte à se désincarner ou à disparaître derrière les illusions d’un glacis bourgeois adipeux – la mère lettrée de la candide héroïne. Et l’excellent François Berléand de signifier que « Lyon n’est pas une ville obscure ».

tournés dans la chambre qu’ils occupent leur escapade prend un autre tour. Jusqu’au bout de la nuit ils sont condamnés à escamoter les pièges pour échapper aux bourreaux maniaques et voyeurs.
Gérant sadique, flic adipeux, cloportes cireux, bravoure masculine et rage féminine : toute la cohorte de clichés est convoquée dans Motel, nouveau rejeton d’un genre en crise s’envisageant en petit traité malin, techniquement irréprochable (éclairages blêmes, décors corrodés, lumières dépressives, dépôts caillés). Surprise pourtant, de cette tentative anagogique germe, en dépit de sa morale lénifiante sur la force et l’amour ou d’une interprétation atone, de louables velléités de mise en scène. La déshérence des deux protagonistes appuyée, dans un introït habilement troussé, par nombre cadres ciselés ou une profusion de détails puis, l’action aidant, un morcellement syncopé des angles se mettant au diapason des snuff movies entraperçus.
Patiemment donc une tension psychologique s’installe et les frémissements nocturnes de s’épancher. Sur une surface déliquescente réduite à sa plus simple expression les héros courent, rampent, sautent, se faufilent jusqu’à exténuation. Et nous pouvons dès lors regretter que la durée fulgurante de l’entreprise ne laisse par le temps à la perversité de gagner en intensité – façon Ils. Pourtant le propos fonctionne en se focalisant sur la perception abrupte de l’espace beaucoup plus que sur sa scrutation.

l’alcool finissant par la conduire, rouée de coups et catatonique, sur le bitume d’une route de campagne. Elle est recueillie par un ancien bluesman dévot, Lazarus, récemment abandonnée par une épouse lui ayant préféré son frère et en rupture totale avec sa congrégation. Il va entreprendre, par des moyens peu orthodoxes, de la sauver de la damnation et lui faire retrouver l’estime d’elle-même.
Quelle bouffée d’oxygène que cet ovni insondable qui derrière une intrigue absurde, scabreuse et convulsive orchestre un sidérant exorcisme existentiel. Dans ce nouvel opus enraciné dans la musicalité après Hustle And Flow, Craig Brewer s’ingénie à galvaniser les trajectoires de personnages englués dans les cendres d’un quotidien asthénique en agençant les bribes éparses de leurs destinées. A ce titre la rythmique, la scansion de son film devient le médium de ce cheminement mystique et toute la gageure de la mise en scène tient dans un montage sublime – Rae commençant à se caresser et se retrouvant en embarrassante posture chez un amant ou cette scène orgiaque de danse enflammée où temps et espace s’infléchissent en une transe hargneuse – et des éclairages irisés, chargés d’humidité.

meut au fil de la projection en un séduisant divertissement estival. Non que les gunfights décérébrés y abondent mais simplement son tempo mineur et sa délicatesse contenue nous caressent avec bien plus de vigueur en cette saison – Le Royaume Des Chats du studio Ghibli avait déjà usé de cette atmosphère propice à la rêverie apaisée. Pourtant le film fut inconsidérément rapproché lors de sa promotion du vertigineux Paprika, il est vrai qu’il s’agit d’adapter le même auteur, Yasutaka Tsutsui, mais là où Satoshi Kon amoncelait iconicités, songes ou décrochements sensoriels aléatoires Mamoru Hosoda privilégie une linéarité désuète, sorte de stratification emplie de certitudes des différentes modalités à l’œuvre (musiques, temporalités, espaces). Le nœud gordien de l’intrigue n’a ainsi rien d’encorbellements à l’emphase éthérée mais se révèle un simple carrefour – sépulcre ô combien symbolique – sur lequel hoquette un quotidien nimbé de torpeur.

retrouver notre héros bourru et débonnaire dans des scènes d’action détonantes, dispendieuses et rêches se fait intense, immédiat et euphorisant. Pourtant les réminiscences du visionnage sont éprouvantes car un sentiment s’enracine, celui d’avoir ausculté une coquille vide de sens où ne perdurent plus que les ombres du mythe de jadis.
Ces deux pans d’où résulte la frustration sont multifactoriels. Evidemment la mise en abîme de la modernisation du personnage archétypal de flic largué (John McLane) en le précipitant à l’heure du terrorisme numérique – les infrastructures informatiques des Etats-Unis tombent les unes après les autres suite à une attaque méticuleuse d’un ancien agent désabusé – alors qu’il ne parvient toujours pas à actionner son GPS. Les ennemis demeurent immuables entre le dandy imbu de lui-même, les escouades adeptes des basses besognes ou la gorgone sanguinaire mais le contexte cyber se meut en despote ricanant, raillant en permanence un protagoniste has been ou infusant des caractères parcellaires conçus comme fragmentés, téléchargeables. Sur ce terrain l’âpre et furieux Mort Dans La Peau réussissait beaucoup mieux l’amalgame de la technologie et des enveloppes brutes.

devront s’affronter à mort. Cette décision scelle le destin de Oboro et Gennosuke héritiers de chaque groupe et amoureux transis.
Sur sa globalité Shinobi déploie avec application la polysémie de la mesure. D’abord celle d’un script anorexique entreprenant sur 105 minutes de relater les événements du roman foisonnant de Futaro Yamada et qui s’étiole dans une simplification déliquescente. Comment en effet s’attacher à l’évolution d’une intrigue opalescente jamais secouée par une rupture de rythme, un susurrement de montage ou la moindre bribe de souffle épique ? Sûrement par la contemplation de paysages et de visages sauvages dont le cinéaste use sans vergogne à force de visions aériennes et de gros plans entêtants.

Nous entrons lentement dans le vif du sujet (exotisme singapourien, mer étale et d’étoiles, facéties d’un singe primesautier) en suivant l’improbable association de Will Turner, d’Elizabeth Swann et du capitaine Barbossa et leurs efforts en vue de secourir Jack, prisonnier dandy – aux tendances schizophréniques – de l’antre sépulcrale du flibustier sanguinaire Davy Jones. Bonne idée des scénaristes, brouiller les cartes en (ré)organisant duplicités et trahisons en pagaille ce qui permet de troubler le vernis propret de certains personnages notamment celui campé par Orlando Bloom. Une dynamique désarticulée semblable à la pantomime de Johnny Depp qui envahissait les précédents opus peut alors s’épancher et relayer, tel un avatar, une action purement cinétique diligemment éconduite dans le premier tiers.

issantes (Audrey/Jack, Annie/Cooper, Shelly/Bobby) dansant, s’enlaçant, se jurant les pactes les plus fous sous le joug gainé du désir. Ce basculement sybarite vers la plénitude et le contentement s’accompagne de tensions ou d'excitations inendiguables, de tremblements des mains intempestifs pour nombre de personnages disparates. Peur et amour s’agrègent naturellement dans les spasmes de BOB comme les deux voies chaotiques possibles pour rejoindre la Red Room. Et le film Twin Peaks, Fire Walk With Me de nous livrer quelques convictions quant à ces crises convulsives sporadiques.